Феномен хорового театра становится все более распространенным в современном хоровом искусстве. Это очень сложный спектакль, требующий не только певческого и актерского мастерства хора, но и его режиссуры. Хоровой театр - это симбиоз оперы, хореографии, ораторского искусства, музыкального театра и драмы. Как живое и продуктивное исполнительское искусство, он оказался стойким противником академического регламента, оставляя простор для воображения как композиторов, так и исполнителей.
На протяжении всего своего существования театр был тесно связан с музыкой и воплощал ее временное и ритмическое выражение. В 20 веке эта театральная тенденция приобрела глобальное измерение. Возникла необходимость воссоздать временность музыки через исполнение. В этом контексте понятие театра не связано с традиционным сценическим реквизитом, а со зрелищем, представлением и видимой игрой, которая происходит перед аудиторией параллельно с музыкальным исполнением. Использование визуального в исполнении основано на дополнении звука визуальным, будь то концептуальное произведение, композиция с текстом или импровизация.
Способность сценической формы изменить музыкальное мышление изменила язык музыки. Театральный мир толкает композиторов на создание странных сочетаний звука, текста, цвета, света, реальности и традиций. Театральность охватывает почти все виды музыки. В синтезе инструментальной музыки это можно объяснить связью симфонической формации с логикой сценической игры (яркие примеры - симфонии Чайковского, Прокофьева и Шостаковича). Драма сначала сочетает форму песни с текстом и сюжетом - основными движущими силами повествования. Устный и музыкальный театр включал в себя народный ритуал, религиозную мистерию и симфонические театральные формы, такие как "Кармина Бурана" Орфа, "Жанна д'Арк" Хонеггера и "Свадьба" Стравинского. Стремление к визуальной интерпретации хоровой музыки привело к появлению такого явления, как хоровой театр.
Задачи, связанные с характером хорового театра, рассматривают В. Кандинский, А. Тевошян, Т. Курышева, И. Андреева, Т. Овчинникова, О. Ромшкова, Л. Исаева, И. Курченка, В. Красов и др. Хотя существует множество публикаций на эту тему, теоретическая концепция хорового театра далека от завершения, и постоянно открываются новые аспекты.
Таким образом, значимость исследования заключается в понимании феномена хорового театра и предложении метода создания произведений для сцены. Цели и задачи исследования.
- Знакомство с некоторыми тенденциями в исполнении современных хоровых произведений.
- определить, как прогрессивизм представлен в хоровой музыке (внутренне и внешне); ? Определите роль дирижера в сценическом представлении; ? Изучить специфику работы певцов и художников.
Методическая работа основана на научно-теоретическом материале по педагогике, психологии, музыкально-эстетическому воспитанию, изучению хорового дирижирования и личностных качеств исполнителя.
Материал исследования включает взгляды на сценическое творчество наиболее известных хоров (А. Юров, Б. Певзнер, Б. Тевлин, А. Соловьев и др.); теоретические работы В. Кандинского, А. Тевосяна, Т. Кулишева, Т. Овчинниковой, О. Ромашковой, Л. Иссава. Факты и результаты исследования могут быть применены в учебном процессе в музыкальных школах, как в работе хоров, так и в развитии научных исследований.
Вероятно, одним из самых ранних примеров использования театральных элементов на сцене была попытка профессионального хора провести государственную церемонию на сцене. Среди профессиональных хоров - Русский академический хор Гостелерадио (ныне Русский академический хор Российского национального центра телевизионной и радиомузыки), хор имени Пятницкого, Воронежский русский народный хор, Волжский народный хор и Омский народный хор.
Будь то любители или профессиональные музыканты, страсть к фольклору, особенно музыкальному фольклору, никогда не ослабевала. Будь то любитель или профессиональный музыкант, страсть к фольклору, и в частности к музыкальному фольклору, никогда не ослабевала.
Эта совместимость особенно ярко проявляется в работе народного хора. По мере того, как фольклор постепенно исчезал из повседневной жизни, он возрождался на сцене. Это необходимо для того, чтобы сделать его более живым, красочным и разнообразным на сцене. Репертуар хоров народной музыки состоит в основном из адаптаций народных песен и оригинальных песен, то есть стилизованных форм фольклора. Это также связано с особенностями этого стиля, который имеет характерное звучание, вокальную манеру, текстуру и динамику, которые сильно отличаются от ансамблевых характеристик "чистой" народной литературы.
Сочетание народного пения и профессионального хорового пения вывело народное пение на новый уровень. Богатый вокальный потенциал хора, тонкие и эластичные нюансы в расположении различных частей хора и использование различных тембров в исполнении народных песен. Хоровой фолк" (как называет его Земцовский) - это, таким образом, особый, самостоятельный вид искусства, основанный на художественном обозрении народного творчества.
А. Юров наблюдал формирование хорового театра, характерного для нашего времени ("Русские народные песни Венулы Витры", Шостакович, из программы произведений болгарских композиторов, 1969-1970). В этой попытке Юров реализовал идею Камала Кастацкого о том, что его "курс на хоровом факультете Московской консерватории" включал тему "ритмика Движение и пение, сценическая подготовка режиссера как руководство для будущей сценической практики". Для сочинений Юрловаса характерен постоянный поиск новых форм хорового исполнения: нетрадиционные переложения для хора, ансамблевое распределение солистов, от больших акапельных групп до нескольких хоровых произведений ("Вечер", "Посмотри на туман", С. Корганов и др.). Привлекательность такого формата выступлений, позволяющего установить интимную связь с аудиторией, вполне оправдана.
В 1991 году Певзнер создал новый вид хорового спектакля - Московский камерный хоровой театр, состоящий из высококвалифицированных певцов. Все солисты этого ансамбля - музыканты и артисты. Сам Борис Певзнер назвал выступления ансамбля на сцене "концертом с лицом". Репертуар разнообразен: русская и зарубежная классика, церковная музыка, современные трансатлантические композиторы, русский, немецкий и еврейский фольклор, песни и романсы. Такая большая программа требует не только участия первоклассных исполнителей (театральные постановки с Башметом, Спиваковым и другими), но и поиска композиторов, способных написать произведения специально для хорового театра, таких как Броннер и Губернак.
Б. Тевлин включил в свой репертуар сценические произведения, применил элементы танца и перформанса, вывел хоровую музыку на грань художественного синтеза, чтобы вывести ее за узкие рамки высокого профессионализма: "Работая с молодежными и студенческими хорами, я начал применять элементы сценической музыки к хоровой. В то время только начиналось возрождение церковной музыки, и академические хоры интересовались народной музыкой. Мы исполнили несколько русских песен для хора и дали представления. В результате я начал сотрудничество с Б. Ляпавым, директором театра Натальи Сатесо. Традиционно работы на сцене имеют двойной эффект. Исполнители чувствуют музыку по-другому, они более свободны. Здесь много энергии и ремесла", - вспоминает он.
В 1960-е годы "новая волна народной музыки" нашла отклик не только в творчестве русских композиторов, но и отразилась в творчестве многих композиторов из других республик (В. Тормис из Эстонии, О. Тахтакишвили из Грузии и др.), московских и ленинградских композиторов Ю. Свиридова, В. Гаврина, Ю. Буцко, В. Калисты. Тов и В. Рубин также отражены в их произведениях. Особенности сценической среды того времени требовали нового исполнительского жанра, новой интерпретации хоровой музыки, способной оживить концертные выступления, драматизировать темы и внести элементы исполнительского искусства и импровизации. В результате камерные хоры стали доминировать над большими хорами на концертной сцене и продолжают это делать до сих пор. Тевлин нашел новые краски в сценическом воплощении народных песен. Его хоры не только пели песни, но и исполняли их. Исполнительские приемы, которые он использовал для адаптации народных песен, позволили Тевлину создать хоровой театр, который его коллеги успешно продолжили развивать. Широкий и разнообразный репертуар Камерного хора Московской консерватории включает антиформалистскую "Лайку" Дмитрия Шостаковича, "Казнь Пугачева" Родиона Стирлинга, отрывки из "Киплинга и жизни" Каристатова, черные спиричуэлсы, популярные и народные песни. Спектакли были поставлены Б. Тевлиным с режиссерами Б. Ляпаевым и Н. Самоновой.
Б. Тевлин приглашает Б. Ляпаева, режиссера театра Натальи Саттер, представить свою поэму "Казнь Пугачева Тевлин приглашает Б. Ляпаева, режиссера театра Натальи Суттер, поставить пьесу Цедлина "Казнь Пугачева". Форма казни сомнительна: племя находит приемы для выражения хаоса и ужаса, беспорядочного шума и "поиска" человека, подлежащего казни. Бегающие глаза, обводящие зрителей, как будто Пугачев находится где-то в зале, в сочетании со все более быстрым риторическим темпом "Drive, Drive, Drive" создают мощный драматический эффект, подобного которому нет ни у кого". Мы начали чувствовать, что находимся в центре событий", - сказал один из зрителей. По словам исполнителей, было интересно наблюдать за замешательством зрителей, некоторые отводили глаза, о чем свидетельствовали простые жесты хора на переднем плане. Хор постоянно курсировал взад-вперед и разделялся на две группы, создавая ощущение напряженного предвкушения у широкой аудитории. Появляется Пугачев, благословляет племя крестным знамением и читает молитву покаяния (текст хора: Прости меня, православный ......). -- Хор отвечает аналогичным поклоном и омовением (племя исполнено страха и печали). Стена войск приближается и настигает Пугачева - казнь завершена (текст песни Затем он падает назад с поднятыми руками, и через мгновение его окровавленная голова висит в воздухе). Публика (группа солистов) разрыдалась. Группа имитировала как крики зрителей, так и душераздирающий шок от увиденного. Все свидетели казни держали руки за голову и были согнуты, словно в неконтролируемых слезах от ужаса перед страшным моментом, свидетелями которого они были. Это кульминация поэмы, и результат ужасает. Пьеса заканчивается, занавес опускается, и хор возвращается к своей обычной прямой линии. История продолжается на заднем плане с кодой композитора. Звон колоколов (хор ритмично раскачивается в такт "бон, бон... Фраза качели) символизирует конец второй страницы рассказа. Сегодня хор играет важную роль в Камерном хоре Московской консерватории. Основателем хора был академик Борис Тевлин. Его художественным руководителем и главным дирижером является академик Александр Соловьев.
Все чаще концерты сочетают элементы хорового театра с чисто академическим пением (действительно, многие драматические театры используют хоровое пение для реализации музыкальных сюжетов в своих постановках), но это, как обычно, единичные примеры. Одним из самых ярких примеров работы режиссера в этом контексте является фильм V. Мартыновские "Плачи по Иеремии", неотъемлемая часть спектакля, в исполнении необыкновенного хора (а капелла). Первое исполнение "Плача по Иеремии" состоялось в июне 1995 года в Брауншвейге, Германия, группой "Силин" под руководством А. Котова. В последующие годы она шла на сцене Театра-студии драматического искусства (Москва) под руководством художественного руководителя и главного режиссера А. Васильева.
"Плач Иеремии" - это не примитивное хоровое произведение, а ритуальное действо. По мнению ученых, изучавших творчество композитора, самое главное для слушателя - попасть в некое пространство, в котором он может правильно воспринимать музыку. Минималистская эстетика, характерная для работ Мартынова, помогает реализовать эту идею. В "Плачах по Иеремии" нет сюжета, который необходим для создания любого спектакля; есть только состояние плача, неподвижность и неторопливое формирование музыкального материала. Поэтому режиссер не хотел принимать никаких стандартных решений в спектакле. Идея ламентации включает в себя манеру движения, декорации, костюмы, освещение и т.д. Цель выступления - не показать действие, а погрузить поющего артиста и зрителей в определенное психологическое состояние. Мартынов написал свой концертный номер без постановки, идею сценического воплощения предложил Васильев. Мастерство композитора и режиссера позволило превратить представление в ритуальное событие.
Хоровой театр становится особой частью репетиционных и учебных групп.В 2016 году студенческий хор Государственного высшего профессионального музыкального университета имени М.М. Ипполитова-Иванова (художественный руководитель и дирижер Е. Бессонова) исполнил сценическую версию черного спиричуэлса Ливингстона Герхардта "Сухие кости" под руководством Юрия Ильинича и Режиссер Елена Бессонова. Хор Высшего профессионального музыкального училища имени М.М. Ипполитова-Иванова (художественный руководитель и дирижер Е. Щеглова). С 2019 года хоровая драма является одним из основных направлений деятельности вокально-хоровых ансамблей Государственной консерватории музыки имени М. М. Ипполитова-Иванова (художественный руководитель и дирижер Н. Кошкарева). Одна из программ ансамбля в исполнении Н. Кошкаревой была посвящена Дню Победы в Великой Отечественной войне.
Хоровой театр является воплощением исполнительского искусства и актуален по сей день. Игровые элементы добавляют уморительное, ироничное и даже гротескное измерение к неестественной серьезности классического театра, а драматизм спектакля усиливается возможностью непредвиденных событий. Красочная сила хорового театра также оказывает многогранное воздействие на слушателя, что соответствует современной тенденции к синтезу. Важно, что хоровой театр заставляет композиторов искать новые отношения с исполнителями, которые должны быть более динамичными, более артистичными, более раскованными и более близкими к аудитории. С чисто музыкальной точки зрения, хоровой театр открыл возможности для новых акустических техник: движение исполнителей, сопровождаемое движением источника звука, привело к трехмерным и контр-акустическим результатам. Театр, как прямой наследник древних сценических ритуалов, имеет важный резонанс: элемент представления. Из двух подходов к отражению театральности внутренний подход - это обобщение, формулировка идеи, за которой стоит множество смыслов. Внешний подход состоит из всего, что основано на синтезе. С точки зрения режиссера, выразительность может быть усилена за счет включения новых визуальных средств, таких как кинематограф и пантомима, или добавления игривости с помощью тона и пластики. Такой многомерный подход приводит к разграничению понятий "композитор" и "композитор-режиссер".
Следует подчеркнуть, что постановочная композиция является особенно заметной чертой современной хоровой музыки. В сценической композиции чрезвычайно усложняется работа режиссера и дирижера, а также певцов и исполнителей. В обязанности режиссера и дирижера входит определение приоритета жанра исполнения и осознание специфики воздействия исполнения на аудиторию, что может быть достигнуто только путем тщательного рассмотрения ритмического и мелодического движения музыки и сопутствующего движения пластики. Специфика визуального выражения приводит к специфике того, что впоследствии можно увидеть, передавая время и место через детали, особенно костюмы. Визуальная интерпретация музыки традиционно основывается на трех допустимых подходах.
- Зрительно интимное изображение события, при котором исполнитель выступает в роли персонажа в определенной обстановке (например, пьеса Щедрина "Казнь Пугачева").
- Основное внимание уделяется темпераменту, а отдельные исполнители рассматриваются как обобщенные персонажи, не связанные с конкретным временным контекстом (например, сеттингом народной песни).
- Визуальная разработка абстрактных понятий - идей, концепций, образов философского порядка, - в которой каждый исполнитель является неотъемлемой частью композиции, созданной взаимодействием линий, жестов, цвета и света (В. Калистратов, "Гита и жизнь").
В свою очередь, певец-артист повышает высоту тона (выразительность) не только певца, но и жеста артиста - слова.
Эта сценическая работа в конечном итоге не доминировала над работой ансамбля, за исключением Хорового театра Певзнера, репертуар которого был полностью ориентирован на сцену. И по сей день существует негативное отношение к созданию хоровых произведений. Говорят, что музыка была снижена до уровня, используемого в этих постановках (что допустимо в произведениях с плохим художественным вкусом). Однако, что касается сценографии, можно сказать, что хоровой театр стал важным явлением в современном исполнительском искусстве.
Руководитель хора должен быть разносторонним творцом: дирижером, переводчиком, режиссером и сценаристом, желательно владеющим техническими средствами коммуникации (компьютеры, свет и звук, различные декорации). Исполнители хора должны обладать хорошими певческими навыками. Помимо хоровых навыков, им необходимо овладеть навыками сольного и ансамблевого пения. Им также необходимо овладеть навыками выступления, такими как умение занять свое место на сцене, управлять своим телом с помощью движений и быть готовыми перемещаться по сцене, а также выражать и показывать эмоции на сцене.
Эти особенности процесса представления хоровой драмы показывают широкую цель хорового "репертуара". Поэтому подготовка современных хоровых дирижеров требует модификации учебного процесса и его применения к хоровой деятельности. Л. Исаева и И. Курченко работают в этой области на кафедре музыкального образования Саратовской государственной академии. Они разработали кумулятивную учебную программу для хорового театра, которая охватывает все этапы работы с музыкой, от понимания партитуры до подготовки сценической версии. Специализированная тематическая программа охватывает каждый этап обучения (годы с 1 по 5). Данный курс может быть использован в качестве основы для подготовки рабочих программ учреждениями культуры.
Современное хоровое исполнение представляет новые тезисы и техники исполнения для дирижеров и певцов, а также новые требования к хорам. В будущем педагогическая подготовка хоровых дирижеров и певцов станет неотъемлемой частью обучения хоровому дирижированию. Поэтому модернизация обучения хоровому дирижированию заключается в приобретении теоретических и практических навыков хорового театра.
Основные педагогические предложения, идеи и драматургические следы были проверены на практике. Они отражены в творческой деятельности хора, вокально-хоровых ансамблей Государственного музыкально-педагогического университета имени М.М. Ипполитова-Иванова (руководители: Е. Бессонова, Е. Шеглова, Н. Кошкарева, В. Красов). Это говорит о том, что применение комплексных педагогических методов допустимо в учебном процессе и исполнительской деятельности "Академического направления хорового искусства". В конечном итоге это поможет обогатить и расширить репертуар хора и приобщить музыкантов и слушателей к современной музыкальной культуре.
Источник: Кошкарева Н.В. Хоровой театр в современной системе высшего дирижерско-хорового образования // Педагогический журнал. 2020. Т. 10. № 1А. С. 580-590.
______________________________
Повышение уникальности за 1-2 часа: пришлите текст, см. раздел контакты -> исполним ваш заказ (в течении 1-2 часов), покажем результат (пример текста) -> если вас устроит качество НейроРерайта, оплачиваете -> отдаем заказ + предоставляем гарантию.
Процесс и специалисты сертифицированы, 27+ лет на рынке, выдаем чек ФНС РФ, гарантия. Тексты, после повышения уникальности, можно править, копировать, уникальность НЕ "исчезает". Знаков НЕТ, это НЕ кодирование.